19 сентября IV Международный фестиваль «Вятка-Город Детства» на большой сцене открылся спектаклем «Матрёнин двор» Владимирского театра кукол. Спектакль создан по одноименному произведению Александра Солженицына.

Режиссер-постановщик Марина Протасова кропотливо изучала жизнь писателя, описанную в «Матрёнином дворе», знакомилась с местным диалектом и укладом жизни и постаралась максимально сохранить суть самого рассказа.

Марина Протасова:

– Поскольку в этой истории много мест действия, мы должны их менять. Тогда и был найден прием железнодорожных рабочих, которые из-под завалов буквально вытаскивают на поверхность всю эту историю. Историю русской праведницы.

И это на самом деле так.  Перед спектаклем занавес открыт. Зрители видят на сцене железнодорожные столбы с фонарями, какие-то обломки, хлам, сваленный в кучу. Но вскоре, когда на сцене появляются актеры, из этого разрушения, хаоса мира герои спектакля воссоздают «Матренин двор» ­ – символ России, русской жизни.  

«Я кроме пожара и поезда ничего не боюсь!» - говорит Матрена в начале спектакля. И, правда, чего ей бояться? Война была, голод был, храмы разрушали, дети у ней все умерли, живет одна, тянет свой бабий век. В словах Матрены нет фатализма, а есть простая мудрость человека, прожившего на земле много лет.

Удивительно это превращение хаоса, разрозненных железнодорожных вещей в теплый и домашний мир Матрены. Опустили стенку вагона и уже это не вагон, а стенка в деревенском доме, где живет Матрена с белой козой и старенькой кошкой.

А Матрена не молчит, она поет, поет весь спектакль, ее голос слышится даже тогда, когда земная песня ее трагически обрывается на переезде.  

В спектакле музыкальное сопровождение пьесы особенное - одноголосное, напевное, музыкальное, как и вся русская речь. За основу взяты песни Ольги Сергеевой, известной псковской исполнительницы народных песен.

Исполнительница главной роли Матроны актриса Марина Вахтанина:  

– Солженицын — сложный материал. Когда ты пытаешься впихнуть большой объем эмоций и переживаний в маленькую куколку — это дорогого стоит. Драматический актер сразу выпускает эмоцию в лицо зрителю. А нам сложнее тем, что мы должны направить эмоцию в куклу. Нужно, чтобы все перешло в куклу, чтобы создалось впечатление, что это кукле плохо, что она мучается, страдает. Кукла же не меняет мимику, но должно быть ощущение, что она плачет, смеется.

Актеры работают на сцене в черных телогрейках, нет, лучше сказать – в душегрейках, на головах у мужчин шапки-ушанки, у женщин традиционно темные платки. Это добавляет аутентичность спектаклю. Они там «свои», они там, словно и не актеры, а часть единой судьбы одинокой праведницы Матрены.

И такое рождается чувство, буквально, с первых минут спектакля, что Матрена живет не в деревне, а прямо на станции, на перекрестке, в двух шагах от смертного переезда. Ясно, что это символ. Так внутри себя живет, чувствует по мысли автора рассказа А. Солженицына почти каждая русская женщина. Режиссер- спектакля Марина Протасова ярко выделила эту мысль, поместив дом Матрены, словно на перекресток бытия.

Из обломков строят на сцене актеры мирную жизнь Матрены, ее двор, пространство для души и тела. Как это вышло и у ней самой. Но разве будет такой двор прочным и долговечным? Не на песке ли он построен?

И врывается в зал страшная (в контексте судьбы Матрены) песня: «Наш паровоз летит вперед, в коммуне остановка!» Вот-вот, под колесами этого самого «паровоза», в угоду, которого жизнь миллионов людей положили, никого не жалея – и погибла Матрена, как малый колос, как часть революционной  Жатвы, перемололи жизнь ее железными колесами.  

Маленькая, хрупкая, беззащитная куколка-марионетка Матрены и огромный, холодный, враждебный мир вокруг нее. Что стоит государству-колоссу раздавить ее? Даже и не заметит. Кукольность домашнего мира Матрены жестко противопоставляется в спектакле беспощадному космосу летящего вперед Железа!  Очень здорово получилось!

А писатель Солженицын все сидит на сцене за столом-доской, то ли гробовой, то ли обеденной, и все пишет, и пишет – фиксирует каждый вздох Матрены, каждое биение жилки на ее седом виске. Сохраняет в памяти своей для нас образ русской праведницы, уходящего сонма белых платочков, что на плечах своих вынесли и войну, и разруху. Все вынесли, а себя не сохранили, не пожалели.

«Шли года, как плыла вода»

Матрена всю жизнь жила как бы не для себя. Она постоянно работает на кого-то: на колхоз, на соседей, выполняя при этом «мужицкую» работу, и никогда не просит за неё денег. В Матрёне есть огромная внутренняя сила. Например, она способна остановить на бегу несущуюся лошадь, которую не могут остановить мужчины.

В спектакле много замечательных эпизодов, напомним только два из них, оставив в стороне совершенно потрясающий – смерть на переезде, в котором художественная интуиция режиссера возвысилась до просветлённой греческой трагедии.  

Очень добрый момент, когда Матрена разговаривает с Советским Радио. Диктор что-то пафосно и фанерно вещает об успехах советской науки, советских пушек и советских космических ракет. А Матрена только вздыхает, козе кивает: «Истыкали все небо своими ракетами!»

А второй эпизод связан с получением Матреной пенсионного удостоверения. 45 лет за трудодни работала Матрена в колхозе, а пенсии так и не получила. Уговорили ее соседки начать хлопотать о пенсии по потере кормильца. Много бумаг собирать пришлось Матрене. Каждый раз ходить пешком по 15-20 километров в разные советские конторы и сельсоветы, а там, то печать не туда поставят, то секретарь сидит на месте, а печати нет, так и тянули долго. Колесила бабушка, словно по кругу, как белка в колесе, а фоном по радио запись производственной гимнастики бодро звучала: «Левой, левой, раз-два, а теперь правой, раз-два, раз-два!»

Постепенно зритель спектакля понимает, что именно на таких, как Матрена, отдающих себя другим без остатка, и держится ещё вся деревня и вся русская земля. Но едва ли такое открытие радует. Если Россия держится только на самоотверженных старухах, что же будет с ней дальше? И где сейчас уже эти старухи? Где "белые платочки"? 

Отсюда — нелепо-трагический конец и рассказа Солженицына, и спектакля. Матрёна погибает, помогая Фаддею с сыновьями перетаскивать через железную дорогу на санях часть собственной избы, завещанной Кире. Фаддей не пожелал дожидаться смерти Матрены и решил забрать наследство для молодых при её жизни. Тем самым он невольно ускорил гибель Матрены.

Но финал спектакля не трагический. Создатели спектакля подарили Матрене жизнь души! Едет душа Матрены на поезде, не боится она уже ни гремящих составов, ни пожаров, смотрит в окошко вагонное на горемычную жизнь русского человека; ни конца дороги не видно, ни конца жизни, ни края смерти. Только она вечность впереди!

«Матренин двор» – умный, сердечный спектакль по великому произведению русской литературы!  Он оставляет глубокое впечатление и дарит чувство сопричастности к истории России и к ее терпеливому, великодушному народу в лице главной героини Матрёны Захаровой.

Малый зал, "Каша из топора" , Саранск, театр кукол Республики Мордовия

На малой сцене в первый день фестиваля театр кукол кировские зрители увидели постановку театра кукол Республики Мордовия. Спектакль «Каша из топора» саранских кукольников по мотивам одноименной русской народной сказки получился солнечный, добрый, поучительный.

А какой он мог еще получиться, если один из главных героев спектакля был русский солдат, возвращавшийся домой после 25 летней государевой службы?

«Рядом с топорищем  всегда самая вкуснятина!»

Случайно повстречал Солдат в зеленом бору плачущую девчушку Иринку, оказалось, плачет она, сиротка, от несправедливости черствой и жадной тетки своей Матрены. Вот они какие разные Матрены-то бывают! И дворы у них разные, и сердца! Тетка эта Матрена день-деньской заставляет девочку работать по дому, а держит ее впроголодь, корками старыми кормит, совсем Иринку замучила. Узнал про такие дела Солдат и проучил скупую старуху, сварил ей кашу из топора, да еще в обмен на якобы волшебный барабан девочку вызволил, забрал ее от злой тетки.

Думаешь, вот «каша из топора», виданное ли это дело? Как старуха так могла обмануться, ведь почти целый век на земле прожила, много чего видела, узнала и вдруг поверила, что вкусную кашу можно из старой железки сварить? Причина тут может быть только одна и эту причину юные зрители видят сразу: жадность лишила ума Матрену, жадность – враг разума. Когда старуха узнала, что из топора можно кашу сварить, она жуть как обрадовалась возможной «экономии»: «У меня мешок гвоздей есть, кашу можно цельный год из них варить!»  Смешно? Конечно! Так веселым смехом над жадностью саранские актеры помогают детям понять, что скупердяйство до добра не доведет.

В спектакле «Каша из топора» три актерских работы. Солдат (заслуженный работник культуры Республики Мордовия, актер Евгений Пулов) и тетка Матрена (заслуженная артистка Республики Мордовия Наталья Королева) играют живым планом. Кукла всего одна – девочка Иринка (актриса Людмила Горинова). Однако это не делает спектакль менее кукольным, чем если бы все актеры работали куклами. Дело тут в органичной сценической жизни. Актеры Солдат и тетка Матрена общаются с девочкой Иринкой, словно с живым человеком. И через малое время зрители совершенно перестают замечать, что на сцене играет… куколка. Это и есть подлинное искусство играющих кукол. Крепко сложенный актерский ансамбль показали кукольники из Мордовии.

Но проходит время, и старуха начинает что-то понимать в себе. Сидит она напротив барабана, плачет и говорит барабану: «Дай мне воды напиться! Ты же волшебный, что жалко тебе воды? Гордый ты, барабан, скупой чурбан, безжалостный!»

Ругает Матрена барабан. Плачет в голос, что такую хорошую помощницу потеряла, на пустой барабан Иринку променяла. Тут-то и приходит к ней ясная мысль, что не только барабан, но и она сама тоже злая, бессердечная; совершается в ней сказочными путями быстрый и волшебный переворот; становится она доброй и рассудительной, щедрой и ласковой. Бывает такое в сказках, чего уж там – видели, знаем!

В финале спектакля просит прощения у Иринки бывшая злая тетка Матрена; отпускает девочку Солдат восвояси, а сам подхватив барабан, говорит: «Если тут мимо горя пройдешь, там мимо сердца плачущего пробежишь, так и сердце каменным станет!»

И летит над зрительным залом  песня «Пусть над нашей стороной солнышко сияет!»

ДЕНЬ ВТОРОЙ

Каждый новый день театрального праздника приносит зрителям замечательные художественные подарки – прекрасные, самобытные спектакли! Во второй день фестиваля своими творческими достижениями поделились театры кукол из Тольятти и Оренбурга, утром прошел мастер-класс Председателя жюри Валерия Шадского, днем состоялся «разбор полетов» показанных на фестивале первых спектаклей, а еще были экскурсии по городу, «байк-шоу» (клубные программы участников фестиваля), а вечером концерт в органном зале.

На обсуждении всем запомнилась краткая фраза Председателя жюри Валерия Шадского, прозвучавшая взыскательно и неожиданно исповедально:

«Фестиваль – не только для радости участников. Фестиваль – это ответственность за творческое лицо театра, за свой профессионализм».

Пусть эти слова будут на нашем фестивале, как девиз, проходят красной строкой по всем фестивальным спектаклям и мероприятиям.

Большой зал, Д. Родари «Путешествие Голубой стрелы», Областной театр кукол «Пилигрим», г. Тольятти

Работа над созданием спектакля «Путешествие «Голубой стрелы» по сказке Джанни Родари о приключениях игрушечного поезда, по словам режиссера Янины Дрейлих, продолжалась несколько лет. Зрителям, даже самым неискушенным это сразу заметно, настолько точны и выверены все основные действия и мизансцены в спектакле, каждое движение актеров- кукловодов. Но при этом художественная достоверность, тщательность сценографии не высушили живой и веселый дух спектакля, искренний оптимизм автора «Голубой стрелы» Джанни Родари в лучшую жизнь. Он остался непоколебим! Очевидно, что работа над спектаклем была проведена немалая, но она увенчалась творческой победой!

Анна Константинова (член жюри фестиваля, театровед, театральный критик, член UNIMA. Член экспертного совета Высшей театральной премии Санкт-Петербурга «Золотой Софит» и Российской национальной театральной премии «Золотая маска») на сегодняшнем «разборе полетов» сказала о тольяттинском спектакле:

«Театр кукол – камерное искусство. Сложно сохранить контакт со зрителями в огромных современных залах на 200-300 человек. В спектакле «Путешествие Голубой стрелы» заполнение сцены, благодаря кубам-трансформерам, был решен хорошо».

В «Путешествии «Голубой стрелы» было много интересного для зрителей: разноуровневые ширмы, маленькие перчаточные куклы и большие ростовые, световые эффекты. Открытый прием, построение на сцене из кубов и объемных треугольников городских реалий, впечатлил. Появление каждой куклы в доме ребенка создатели спектакля обыграли с помощью освещения. Жизнь превратилась в праздник, потому что ребенок умеет радоваться малому. История об исполнении мечты у тольяттинских кукольников получилась легкая, трогательная, обнадёживающая. Сказка Родари сложная, многоплановая, писатель создал большое сказочное полотно, но театр справился, сшил одежку по размеру, использовав по назначению каждый кусок ткани.

Сюжет «Путешествия Голубой стрелы» актуален для всех времен. Мальчик Франческо, мечтал о дорогом игрушечном поезде. Каждый день он приходил и смотрел на «свой» поезд в витрине магазина Феи Баронессы, но семья его была бедной. Поезд для Франческо оставался далекой мечтой.  Игрушки в магазине, видя печальные глаза мальчика, решают сами найти его и подарить праздник. А поехать они, конечно, задумали на поезде «Голубая стрела». И не беда, что нет для него железного пути, ведь это игрушечный, волшебный поезд, он, если будет надо, и летать сможет.

Визуально красочно был показан в спектакле момент, когда поезд с игрушками отправляется в путешествие. Большую скорость движения, неожиданные повороты на пути удалось мастерски передать с помощью звуков и многоцветных светофильтров. Цвет, блики, шум, слились вместе, пейзаж за окном расплылся, как акварель, все так, как это бывает, когда ты безудержно мчишься по дороге. Эффект скорости был очень правдоподобен!

Каждый эпизод спектакля наполнен лиризмом и детской романтикой, будь это танец Заводного Медведя, вечерний разговор при звездах двух героев истории Франческо и Марио, встреча Самолетика с Памятником или прощание отца-полицейского с дочкой.

Игрушки на поезде удаляются все дальше и дальше от магазина Феи Баронессы. Они ищут Франческо. А Баронесса, обнаружив пропажу своих кукол, отправляется за поездом в погоню... пешком! Она полна решимости вернуть игрушки на магазинную полку. Сцена погони не оставит равнодушными ребячьи сердце. Это просто какая-то погоня всех погонь! Так вот в детстве и представляешь себе самое опасное преследование. 

Наших отважных путешественников от хозяйки магазина игрушек спасает… Мирный Памятник.  Он прикрывает могучей рукой Голубую стрелу и шагает вместе с поездом по ночному городу. Дома-кубы расходятся в стороны, освобождая дорогу, пусть сердца уже прочерчен. Он прям и точен.

«Полиция! Полиция!» - кричит Фея Баронесса, но разве Памятник догонишь? Однако Баронесса не так проста, как кажется на первый взгляд. Она знает тайны мира игрушек и умеет разговаривать с бронзовыми памятниками даже на расстоянии.

«Я знаю, - угрожает она Мирному Памятнику, - что ты по ночам гуляешь по городу, я всем расскажу об этом!»

Но Мирный Памятник только улыбается в ответ, кто же поверит благородной даме, что памятники по ночам разгуливают по городу? Прекрасно, мастерски работает на сцене с куклой Феей Баронессой актриса Нина Свиридова. Ее итальянский акцент неподражаем.

Казалось бы, еще немного и друзья отыщут в городе мальчика Франческо, но тут случается непоправимое: поезд «Голубая стрела» падает на мостовую, игрушечные колеса не выдерживают земной нагрузки.  А погоня все ближе, и ближе. Что будет – неизвестно!

В финальной сцене все дороги героев, все линии их судеб переплетаются вместе. Иначе и быть не должно. Упавшая «Голубая стрела» лежит на боку. Ее находит  мальчик Франческо. Игрушки и Памятник стоят в растерянности, не зная, что теперь делать. Полицейский и Фея Баронесса приближаются. Марио и дочка полицейского Фелиция тоже оказываются здесь. Кто же поможет поезду, кто поможет мечте? Конечно, тот, кто о ней мечтает!

Здесь сказка полновесно выходит на сцену, линейная человеческая логика замолкает, психологическая достоверность поступков героев становится ветхой, ненужной, лишней. Сказка преображает всех и вся, и поэтому маленький мальчик легко ставит поезд обратно на колеса; Фея Баронесса становится доброй-предоброй и дарит Франческо его заветную мечту – «Голубую стрелу», а дорогую куклу Розу отдает девочке Фелиции; полицейский-папа улыбается.  Счастье приходит ко всем сразу! Да вот, такое маленькое счастье, как простая детская игрушка. Главное, чтобы оно пришло сейчас, немедленно, когда сердце ждет, просит чуда. А не потом, на пенсии...

Но это еще не предел сказочной доброты Феи Баронессы. Она зовет в гости в свой  игрушечный магазин всех, даже Памятник.

«Ибо, -говорит она,- это просто праздник какой-то! Фиеста!»

И мы вместе с героями спектакля «Путешествие Голубой стрелы» тоже зовем всех на наш праздник, на фестиваль «ВЯТКА - ГОРОД ДЕТСТВА!»

Чудеса случаются, надо только в них верить и надеяться на лучшее.  Может быть, «Голубая стрела» снова летит в чье-то  сердце, чтобы «ранить» его своей  счастливой детскостью?

Трогателен был выход актеров на поклон, после шумных аплодисментов, актеры спустились в зал к юным зрителям и устроили с ними небольшой интерактив: игру в поезд. Здорово, что дети поколения NEXT, еще не забыли как в нее играть!

С режиссером спектакля «Уважаемые граждане» Светланой Дорожко кировские зрители уже знакомы по прошлому фестивалю «Вятка - Город Детства!» (2016 г.)  Тогда ее спектакль «Спящая КАРсавица» получил диплом в номинации «Лучшее актёрское партнёрство в работе с куклой (Чувашский театр кукол, г. Чебоксары). Она открылась как очень лиричный, созерцательный режиссер, чутко улавливающий настроение желторотой детской души.  И вот ее вторая работа «Уважаемые граждане», полностью противоположенная предыдущей. И еще: она для самых-самых взрослых и по рассказам сложнейшего, при всей внешней простоте текста, Михаила Зощенко – тайновидца и предсказателя, космического метафизика. Удивила!

Спектакль состоит из нескольких комедийных историй, которые с тонкой иронией, присущей гению Зощенко и блестяще сохраненной режиссером, характеризуют быт, нравы и весьма странные взаимоотношения «уважаемых граждан» времён становления советского государства.

Зрители с первых музыкальных тактов погружаются в нервно-революционную, отчаянно-позитивную атмосферу 20-30-х годов прошлого века. Этому способствует в спектакле все: стилизованные декорации, костюмы, музыка, карикатурные образы персонажей, использование разных систем кукол, живой план. Сам автор тоже присутствует на сцене, как голос отвечающий на вопросы радиоведущего о своем творчестве и писательском кредо.

Предыдущий абзац о спектакле было написать просто! А дальше и не знаешь, как подступиться к этой монолитной художественной глыбе, к этому театральному самородку, выросшему на добротной оренбургской почве. Так все в нем тютелька в тютельку, тонко, умно, иронично, с «толстыми» намеками на современность.  Смотришь спектакль на одном дыхании, смеешься, ухмыляешься, тревожишься, все пять театральных новел проскакивают через ум «легко и непринужденно», а потом задумываешься: это сколько же надо было мозгом думать, репетировать, оттачивать, «зажигать и гасить фонари», «собирать и раскидывать камни», чтобы в итоге у режиссера и актеров получился такой динамичный, остроумный, лирико-сатирический спектакль.  Это же было невероятно сложно, душа настежь,  сапоги всмятку!

Все было в спектакле на высоте и кукловождение, и работа живым планом, и декламация стихов, и легкая мещанская эротичность (по-зощенски вполне уместная), и авторский голос, и драки на ширме, пардон, заушения на Schirm. Все «ружья на стене» выстрелили и не по одному разу. Спасибо за «ружья» художнику-постановщику Марине Яриловой. Множество замечательных художественных решений пришлось придумать, чтобы полновесно передать дух ушедшей эпохи, взять хотя бы новеллу «Горькая доля», в которой дамочка меняет кавалеров, как  смартфоны. В каждого она влюбляется, в каждого, буквально, влезает по уши, верит, ждет, надеется, пока не встретит более подходящего человечка. Такая вот чеховская «Душечка» советского разлива.

Художник спектакля нашла талантливое решение, чтобы показать, как именно эта гражданка Анна Дермибасова  примеряют на себя социальный портрет, социальную маску своего избранника. Берет эта квази-Душечка писанный маслом портрет очередного возлюбленного и вместо его анфаса вставляет свое пролетарское личико. А потом так и живет какое-то время! Вроде бы смешно и не жалко этакую дурочку-мещаночку, но авторский усталый, серьезный голос перед каждой новеллой заставляет задуматься.

И задумываешься, когда в конце своих амуров Анна, ставшая уже Лахудриной, выходит замуж за сотрудника ОГПУ и пишет подруге: «Ах да! Я тебе забыла сказать, что Ваня — это, знаешь ли, один агент. Он очень отзывчивый и симпатичный. Он сразу стал ко мне приходить, и мы подолгу беседовали с ним о политике и вообще о социальных идеях. Я счастлива неимоверно. Ах, это так грандиозно и так величественно — эти социальные идеи!»  Вчитываешься в эти строчки и чувствуешь за ними собачий страх оказаться «изолированной», на дне большой темной ямы без суда и следствия. Такой вот он Зощенко: от смеха до расстрела один шаг.  

Из воспоминаний о М. Зощенко: «А ведь со мной опасно показываться на людях, – сказал он однажды приятелю Михаилу Слонимскому: – Появились какие-то критики, которые соединяют имена. Ты заметил? Я уже сложил чемоданчик».

Куклы в спектакле использованы в основном небольших размеров, отчасти поэтому он и идет на малой сцене, но логика тут в другом. Это не куклы маленькие, это люди той поры измельчали, уменьшились душой, мелкоцветными стали, оторвавшись от родовых корней Отечества.  И страсти их все - кухонные, «коммунальные», и страдания какие-то сомнамбулические, и вроде бы все у них понарошку, кукольное такое, смешное, но потому и беззащитное, малосильное, легко ранимое, убиваемое наповал, быстро лишаемое тепла и света, любви и правды, достоинства и чести. За всем этим маленьким, мещанским мирком стоит чудовищно-ледяной Железный Молох эпохи, беспощадный, не знающий усталости в борьбе с врагами новой  жизни.  А что сейчас, многое ли изменилось?

Мы, зрители, смеялись почти весь спектакль, а в конце запечалились, затосковали, когда сказал нам на прощание писатель Зощенко такие слова: «Я подумал о смехе, который был в моих книгах, но смеха не было в моём сердце. Почему? Я стремился увидеть Солнце в революции. Почему же тоска в моем сердце? Она в нем есть».

«Писатель с перепуганной душой» так его порой называли современники. А мы скажем, он «боялся», «перепугивался» ради нас, будущих его читателей, чтобы мы не боялись. Ничего. Даже «пожара и поезда!»

В спектакле использованы рассказы Михаила Зощенко: «Горькая доля», «Собачий нюх», «История болезни», «Любовь», «Серенада», «Письма к писателю», отрывки из автобиографии.

ТРЕТИЙ ДЕНЬ

Третий день фестиваля, золотая середина, оказался по-настоящему «золотым» для зрителей. Каждый из трех спектаклей, показанных сегодня на Большой и Малой сцене выделялся чем-то особенным, сверкал какой-то оригинальной и яркой гранью.

Празднично-рабочий день фестиваля начался с замечательной лекции Алексея Гончаренко (члена жюри фестиваля, главного специалиста Кабинета театров для детей и театров кукол Организационно-творческого отдела Центрального аппарата СТД РФ) «О современном театре для детей». Он рассказал о новых тенденциях в развитии детского театра, сопровождая рассказ видеовставками по теме. Основными направлениями театровед Алексей Гончаренко назвал: бэби-театр, сторителлинг, визуальный театр, современная детская литература, новое пространство + квазидокументалистика, социальный театр + цирк.  А с 10 часов утра начались показы фестивальных спектаклей.

В дневной перерыв жюри фестиваля и часть театральных коллективов приняли участие в двухчасовой экскурсии по древней Вятке. Она началась у кировской телевышки и завершилась у храма Феодоровской иконы Божией Матери.  

Перед каждым фестивальным показом актеры Кировского театра кукол делают подводки, короткие остроумные сценки, связанные со спектаклем темой и жанром, помогающие зрителям настроиться. Так было и сегодня.

Принцесса держит свое слово, данное Королю. Она смотрит все спектакли и часто сама принимает участие в театральных подводках.  Но пока молчит, что у ней на уме никто не знает. Однако, ведь если смотрит, то скорей всего что-то да нравится? Верно?

Малый зал, О. Мандельштам «Рояль и два трамвая», Санкт-Петербург, театр «ТриЧетыре».

Первая строчка в стихотворении самая важная, она задает ритм, размер, от нее отталкивается поэт, чтобы сочиняет дальше. Поэтому так важно самое начало спектакля «Рояль и два трамвая», созданного по малоизвестному стихотворению Осипа Мандельштама.

Спектакль начинается буднично и просто, как многое прекрасное в мире: городская улица, слышно, как гудят машины, на остановке сидят трое (девушка и юноши, живой план) ждут общественный транспорт, его долго нет, они немного нервничают, четвертый гражданин стоит чуть вдалеке, слушает хрипящий радиоприемник.  Какофония звуков, перекличка голосов, но постепенно из этого несогласованного звучащего фона, даже «ап-хчи» одного из будущих пассажиров идет в дело, рождается музыка. Она заполнят зрительный зал, отзывается в сердце. И тогда огромный рояль, стоящий в тени, освещается светом и раскрывается, как нотная тетрадь, как разлинованный блокнот для стихов. И ты понимаешь, что две огромные половинки рояля, как две половинки сердца, поставленные вертикально, тут пригодятся по полной.

На одной из крышек рояля появляется, а лучше сказать, рождается видеопроекция стихотворного текста, происходит что-то странное, небывалое.  Один из актеров встает со скамейки и начинает, словно он поэт, сочинять стихи! И вдруг на сцену, прямо к остановке, медленно подъезжает трамвай. Какой же он маленький, совсем игрушечный, по-детски трогательный и беззащитный. Кажется, что сейчас он свернется клубочком и замурлыкает от удовольствия. Его так и подзывает к себе один из актеров: «кыс-кыс-кыс». А за ним выезжает второй трамвайчик, точно такой же – кукольный, крохотный, умещающийся на двух ладонях, с уютными огоньками внутри, теплый такой. Хочется немедленно забраться в такой трамвай и поехать, хоть на край света. В тебе просыпается нечто могучее из твоего босоногого детства, чему невозможно противиться, рот невольно расплывается в улыбке.  

У трамваев оказывается есть имена. Их зовут – Клик и Трам. Они двоюродные братья и очень разные. Клик - молодой трамвай, немного грустный. Трам - постарше, он опытней, да и оптимизма у него побольше.    

Герои спектакля дружно вскакивают со скамейки, мгновенно превращая ее в дорогу, все дела забываются напрочь – начинается классическая игра «в машинки». Поехали! Бабах! - стукнулись! Стихи звучат, как надо.

Девушка становится «мамой-улицей». Она берет по очереди каждый трамвайчик и сажает к себе на пальто. Трамвайчики замирают от счастья и медленно двигаются вверх. А «мама-улица» гладит их по железным головкам, «мальчики мои», говорит. Это очень нежная, тихая сцена в спектакле. Пишешь об этом сейчас, получается - повидло, а вот, сидя в зале совсем другие чувства охватывают сердце, такие светлые, неумышленные, что ни с кем делиться ими не хочется. Они твои и только твои. Тебе их подарил, словно сам поэт.

Трамваи Клик и Трам, точно дети, шумят, звенят наперегонки, подбирая на остановках пассажиров, бегут друг за другом, меняются лики города, то мелькнет Адмиралтейство, то Гостиный двор, то медный памятник, то еще что-то знакомое, близкое. В спектакле появление этих примет Санкт-Петербурга обыгрывается разными способами: и плоскими фигурами, и теневым театром, даже просто городскими звуками. «Улица-красавица, всем трамваям мать» смотрит на своих «мальчиков» с высоты, улыбается.  И мы зрители, тоже (и уже в который раз!) улыбаемся вместе с ней неизвестно чему.  А стихи продолжают звучать и зовут нас дальше!

Остроумно придуманы образы всех персонажей стихотворения. Появляется Точильщик. Он едет на своем толстом точильном диске, крутит педали, словно на моноцикле. И поет, стихи читает! Разве забудешь такого?

Или выходит Метельщица, нет, не дворник, а именно Метельщица, что улицу подметает. Она в длинной черной юбке, потряхивает черными кудрями, зыркает в зал антрацитовым глазом, метет улицу под старинную испанскую песню.

Анна Константинова (член жюри фестиваля, театровед, театральный критик, член UNIMA. Член экспертного совета Высшей театральной премии Санкт-Петербурга «Золотой Софит» и Российской национальной театральной премии «Золотая маска») на сегодняшнем «разборе полетов» высказалась:

«В стихотворении Мандельштама богатый образный ряд, множество анахронизмов, точильщик, метельщица. Это хороший культурологический момент для игры со зрителем. Мне это было жутко интересно. Утюг на углях, плита дровяная. В спектакле есть вещи, что дорогого стоят. Трамвайчики на веревочках, как живые, огоньки зажигают».

Кукол в спектакле много, все они сделаны мастерски, с индивидуальными чертами лица, у каждой куклы свой оригинальный костюм.

Несутся мимо, мимо, старинные здания, городские кварталы, летят по рельсам, как по струнам, звонкие трамваи Трам и Клик, объезжают контуры двух половинок рояля. Радости - на целое облако! Ведь, что такое трамвай? Это маленький поезд, мечта, зовущая в даль светлую, почти, что «Голубая стрела». Не надо его бояться, Матрена Захарова.

Но заигрались трамваи и потеряли друг друга в городской толкотне и гаме. Ищет Трам своего брата Клика, но нигде не находит, спрашивает у дома:

– Ты скажи, семиэтажный

Каменный глазастый дом,

Всеми окнами ты видишь

На три улицы кругом,

Не слыхал ли ты о Клике,

О трамвае молодом?  

Дом ответил очень зло:

– Много здесь таких прошло.

Похоже это был тот самый, «всевидящий» Большой дом, что стоит на Литейном проспекте. Зря его Трам побеспокоил, страху только нагнал. Много струн-рельсов прозвенело под колесами Трама, прежде чем он нашел своего брата Клика. Молоденький трамвайчик от беготни так устал, что даже номер свой забыл.

От стука и звона у каждого стыка

На рельсах болела площадка у Клика.

Под вечер слипались его фонари:

Забыл он свой номер – не пятый, не   третий...

Смеются над Кликом извозчик и дети:

– Вот сонный трамвай, посмотри!

Старший Трам берет младшего на прицеп и тащит домой, в депо. Трам такой сильный, он - Трамвай. Трам ничего не страшится и не потому, что он железный. Он чувствует, что может, если надо, прицепить к себе целый город, потащить за собой целую планету. Вы только скажите, он сможет. Звенят, бегут трамваи по ночным улицам. Музыка звучит. И ты понимаешь уже совершенно точно этот чудесный образ Города, как огромного, грандиозного рояля, по струнам-рельсам, которого стучат своими колесами-молоточками Клик и Трам.

Спектакль «Рояль и два трамвая» режиссера Натальи Лебедевой и художника Ольги Петровской нельзя назвать просто вольной иллюстрацией детского стихотворения поэта. Создатели спектакля идут к поэтическим истокам, расширяют творческую площадку всеми доступными театральными средствами, чтобы высветить трогательную красоту стихотворного текста, звучащую в нем музыку любви и нежности, заботы и сострадания, посреди безжалостного лязга и шума Железной эпохи.

Для Кирова трамвай – это фантастика! Трамваи по нашему холмистому городу не ходят. Может быть, еще и поэтому с такой любовью и теплотой приняли маленькие зрители этот замечательный спектакль о трамвайчиках.  И не только маленькие зрители.

Большой зал, «Свифт», Франция

Французские кукольники из Марселя показали на фестивале спектакль «Свифт» по произведению английского писателя Джонатана Свифта. Театральная работа у них получилась символичная, многоплановая; удивительно тихая, наверное, для того, чтобы каждый зритель погрузился в себя вместе с героем спектакля и нашел что-то главное и цельное, нераздробленное суетой жизни, какую-то молчаливую сердцевину себя самого. Именно поэтому для спектакля совершенно не потребовалось перевода, а те немного слова, что звучали на французском, были понятны из общего художественного контекста постановки, световых проекций.

Дети - точный камертон. Сегодня наши маленькие зрители многих взрослых приятно удивили тем, с какой отзывчивостью они отнеслись к чужеземному образному языку. Дети начинали хлопать, когда к этому располагал какой-то эпизод в спектакле, замирали, восхищались, радостно пугались. Все было уместно. Спасибо, ребята.

Валерий Шадский (Председатель жюри фестиваля, художественный руководитель Рязанского областного театра кукол и Международного фестиваля театров кукол «Рязанские смотрины», член Международного совета Международного союза деятелей театра кукол (UNIMA), заслуженный деятель искусств Российской Федерации, г. Рязань):

«Режиссер, художник, композитор все точно построили. Нам, зрителям, было все понятно. Это был сон, творческое видения писателя. История произошла. Спектакль «Свифт» вызвал неожиданные чувства и мысли. Такой спектакль у нас в России увидишь редко. Он имеет потенциал для развития. Хорошо раскрыли автора, современно».

«И корабль плывет»

Действительно, история, рассказанная со сцены французскими кукольниками, по своей сути на первом, предметном плане ясна для любого ребенка.

Живет человек, ходит, ест, спит, сидит на красном стуле, мечтает, пытается познать  мир, вселенную. Временами он ощущает себя великаном среди лилипутов, а иногда, напротив, маленьким «гарантийным человечком» среди огромных великанов. Визуально, при помощи современной мультимедии эти чувства переданы убедительно. Проекция, теневой театр справились с этой задачей. 

Человек отправляется в путь. Он плывет по своим внутренним морям и океанам. И вдруг случается «кораблекрушение души». Его выбрасывает на берег. Он долго лежит, приходит в себя; потом, то ли из разрозненных частей корабля, выброшенных волнами на берег, то ли из мусора, бутылок, досок, каких-то непонятных обломков, человек строит целый город, с домами, с неоновой рекламой. По городу начинают ездить машины, закипает своя чужая жизнь.  И он, человек, в этом городе получается очень большой. Он здесь «царь и бог». Все тут крошечное, и небоскребы, и люди, и, наверное, их чувства и мысли. Ничтожно все! А он большой, великий, несокрушимый духом. Хорошие такие, приятные чувства.

Но вот, что-то случается в Реальном Мире, может быть, человека просто обругали в очереди, облила грязью, проходящая машина, не поздравили с праздником – и все! Снова плавание по внутренним морям. И вновь берег незнакомый, чужой. А вокруг топают великаны, пугают. Ездят чудовищной величины машины. У них жизнь - прекрасная!  Гигантские дворцы, океанские яхты, сверкающие автомобили, красивые женщины ростом до небес с длинными ногами, как сосны.  А ты никто, ты – «раб, червь», пустое место. Тебя может насмерть задавить упавшая чайная ложка в этом мире, муха может легко забодать. Ты - маленький, ты ничтожный, твои мысли точно такие же – микроскопические, никому до них нет дела.

Как тут жить? Где ты был настоящий? В мире лилипутов или в стране великанов? Пойди , узнай.

Однако визуализации в спектакле лишены лобовой дидактичности. Они не грузят, а только интригуют зрителя. Есть во французском «Свифте» какая-то особая притягательность, продуманная недосказанность, выверенная загадочность. Это большой плюс.

Анна Константинова (член жюри фестиваля, театровед, театральный критик, член UNIMA. Член экспертного совета Высшей театральной премии Санкт-Петербурга «Золотой Софит» и Российской национальной театральной премии «Золотая маска»):

«Меня в спектакле подкупило то, что называется - трэш. Из какого-то мусора создается мир. На сцену выходит дядька, который никого не играет. Он скорее работает, как оператор, как опытный перформер. Это вызывает уважение. Режиссеру удалось в спектакле передать сам дух свифтовской книги, а не букву. В нем много ассоциативного, завораживающего. Как этот человек будет строить город из мусора? Как он будет дальше жить на земле среди этого хлама?  Тема экологии тут тоже есть».

Алексей Гончаренко (член жюри фестиваля, главный специалист Кабинета театров для детей и театров кукол Организационно-творческого отдела Центрального аппарата СТД РФ):

«Этот спектакль для любого возраста. Дети и взрослые, каждый зритель будет считывать свой смысл, видеть свой сюжет. Французская команда берет точный материал, тут, кроме темы экологии, еще много других: урбанизации; бежать или не бежать из этого мира; почему человек один в этом мире, где все остальные люди? Почему так получилось? Кстати, мораль, прозвучавшая на русском языке в финале, тоже есть, если хотите – принимайте ее. Но вариативность ответов в спектакле существует».

Да, мораль в спектакле была. «Я испытывал жажду, - говорит протагонист в самом конце визуальной притчи, - но эту жажду не утолить никогда. Я, сидя на своем красном стуле, могу путешествовать, где угодно. Могу странствовать, не двигаясь. А могу, находясь в бесконечном движении, оставаться внутри себя совершенно неподвижным. Все зависит от меня самого».

Спектакль «Свифт» провоцирует (в хорошем, бахтинском смысле) современного человека искать ответы, находить самого себя, свое место в мире, свои «сани», свой размер. И Большая сцена для этого спектакля в самый раз!

Малый зал, Б. Шергин, «Шиш, или Как мужик с царем поссорился», Рыбинский театр кукол.

На сцене малого зала стоит большая телега без колес. Одно колесо лежит поодаль. Высоко над телегой на толстой палке качается пустое гнездо аиста. Колесо судьбы, куда кривая выведет, Гнездо жизни, чем наполнится? Такие дивные мысли приходят. Тихо. И вот начинает звучать мелодия. Пора бы актерам появиться на сцене. Где же они? И тут замечаешь, что на телеге кто-то шевелится. Ого, появляется статная баба! Рядом с ней еще кто-то копошится под толстым покрывалом, высовывается рука, нога, а потом и целый мужчина в жилетке и с артистической бабочкой на шее выходит на свет Божий, под ясные очи софитов.  А чуть погодя из-под телеги раздается стук и выползает румяная дева. Вся семья актеров-странников проснулась: папа, мама и дочка. Так забавно начинается спектакль рыбинского театра кукол по мотивам известного сказа архангельского сказочника Бориса Шергина «Золоченые лбы».

Недолго думая, видя, что почтенная публика уже собралась, семейный театр начинает «сказывать» историю в образах и лицах. И получается здорово! Есть-то всем хочется.

Папаша с мамашей ставят на телеге из лопаты и вил ширму. Звонок к спектаклю - удар по крышке кастрюли. Покрыли синим полотнищем телегу спереди, вот тебе и волнительное море получилось, зрители помогайте волновать. Подняли часть тележной перегородки – царские палаты вышли. Дворец – из ватина, окно – одеяло. Хитро придумано.

Рассказчики постарались на славу. Короткая шергинская история о досаде, учиненная ушлым мужиком не сильно умственному царю, получилась у рыбинских кукольников веселой, складной, без ненужных подробностей; воплотила мягкий юмор поморского автора, показала красоту архангельского говора в  возможной театральной первозданности.

Пересказывать «Золоченые лбы» – полная несуразица. Стиль писателя не перестилить, лучше, чем он сам не скажешь. Поэтому все перипетии сюжета и твист с «золочением лбов» женской половине царского дома лучше опустить. Не в этом сильная сторона шергинского сказа.  Главное действующее Лицо в нем, а потом и в спектакле, несомненно, Язык Русского Севера. Богатый, сочный, жизнерадостный какой-то в самой своей глубине и основе. Плотский язык слова сказа произносит и от радости сам щелкает, летает, словно песню поют, мудростью делится. Вот за эту точную трансляцию живого духовного опыта, заключенного в речи и присказках героев, в словах поморского сказителя, хочется и нужно поблагодарить всех актеров спектакля!

В спектакле много интересных режиссерских находок, отличных художественных решений. Актеры-рассказчики, играют и живым планом, и куклами-марионетками. Без суеты, толково, с профессиональной открытостью к любому возможному интерактиву со зрителями.

ДЕНЬ ЧЕТВЕРТЫЙ

Золотые деньки стоят в Кирове. Солнечно, тепло, сухо. Что еще нужно для счастья? Культурная программа? Так и она есть. Четвертый день в самом центре города проходит IV Международный фестиваль театров кукол «ВЯТКА - ГОРОД ДЕТСТВА». Сегодня зрители смогли посмотреть спектакли из Сургута и Санкт - Петербурга.  А так же спектакль нашего театра кукол «Уличный кот по имени Боб».  Его премьера  состоялась в Кирове  в июне. 

Большой зал, сказка братьев Гримм «Госпожа Метелица», Сургутский театр кукол

Огромный ткацкий стан в спектакле «Госпожа Метелица» занял чуть ли половину сцены. По бокам расставлены самопрялки (это те, что с колесом), больше похожие на штурвалы кораблей. В основании ткацкого устройства – размером с хорошее бревно катушка ниток.

В легкой белесой дымке, украшенной падающими снежинками тонет волшебный мир, созданный художником-постановщиком Юлией Гамзиной. Красиво, нежно, системно. Таинственно-воздушная сценография сразу настроила на музыкальный лад. И не обманула. Четыре Пряльи вышли на сцену. У каждой на голове была светлая шапочка с небесным символом. Они запели:

Если в душе твоей сказка живет,

В театре она для тебя оживет!

Если с песни начали, то песней должны спектакль и закончить. Песенное кольцо должно сомкнуться.

Значительные размеры ткацкого станка оказались более, чем оправданы. Это не статичная декорация. Собственно, он вырастает до символа: весь мир – ткацкий стан, из нитей человеческих судеб ткется бесконечное полотно   Жизни.

В спектакле станок используется по-разному и как ширма, и как экран для теневого театра, и как инструмент для создания красивых узоров. Без него – никуда. Он художественный центр сказки, не только в глубоко сокрытом от людских глаз мире Госпожи Метелицы, но и в земных пределах, где живут герои спектакля: Рукодельница Мария, Ленивица Хильда, Мачеха Изольда. Все куклы – планшетные, каждая с хорошо вылепленным лицом и выражением, в добротном платьице. 

Ясное дело, Изольда почем зря гоняет трудолюбивую Марию на разные домашние работы, да еще заставляет ее, между бесконечными домашними делами, ткать носки.  Весь дом держится на Марии. Но Мачехе этого мало. Чтобы ублажить свою жадную и злую дочку, она дает послушной Марии такой список заданий, с которым и десять служанок не справятся. Мария это хорошо понимает, а мамаша – нет. Почему? Вроде бы взрослый человек, должна такие пустяки понимать? Но нет, не понимает совершенно! Она живет в параллельной реальности, где не знают цену времени и сил.

У маленького зрителя растет возмущение. Так нельзя, нельзя! «Мария скажи ей, откажись!» Но Мария склонив голову, послушно идет исполнять приказания Мачехи.

Противная Хильда зло радуется, хихикает, так бы и треснул ей по затылку: «Не будь злюкой!» До самого конца спектакля она останется такой грубой, невоспитанной, приземленной в своих чувствах и мыслях девушкой, ей бы поесть жирно да поспать сладко, вот и все. Но знаете, она забавная, ее почему-то прощаешь. То ли игра актрисы Анны Шараповой придает этой злючке такое очарование, то ли тут еще какой-то режиссёрский секрет. Каждый раз ждешь появление на сцене Хильды, улыбаешься. Без ее трудного характера спектакль не получился ба таким ярким.   

Одно утешение есть у милой девушки Марии, поиграть с Барашком. Но и тут ее ждет засада, случайно во время забавы она роняет в колодец свое веретено. Летит, летит веретено вниз, а ни всплеска, ни стука не слышно. Глубок колодец!

Мачеха, узнав о пропаже, заставляет девушку прыгать в колодец. Вот дела! Неужели она не понимает, что обрекает Марию на гибель в ледяных водах колодца? Похоже, совершенно не понимает! Она живет сиюминутной целью, поэтому дальше носа своего не видит.  В душе маленького зрителя поднимается волна сострадания к несчастной девушке и негодование на бессердечную Мачеху.

Мария прыгает в колодец. Эффектно, возвышенно поставлена сцена падения. И не падения вовсе, а полета. Мария летит, парит как в невесомости. Совсем не страшно. Ты веришь, что она не разобьётся. Немного, конечно, страшновато за девушку, но не до дрожи. И точно, Мария мягко приземляется на белоснежное покрывало. Она попала в царство Госпожи Метелицы. Ах, как хорошо! Сам бы в такой колодец с радостью прыгнул. Пройдя небольшие испытания, девушка с помощью Печки и Яблони, которым помогает в беде, находит дорогу ко дворцу Метелицы.

Встреча Госпожи Метелицы с Марией сделана здорово. Метелица встречает девушку в устрашающем образе великанши (трехметровая плоская кукла), говорит с ней громоподобным голосом.  Одинокая старушка прикипела к своей метельной грозной ипостаси, к заведенному протоколу встречи со всяким, кто попадал в ее снежное царство. Но, похоже, это давным-давно самой старушке жутко надоело, быстро покончив с формальностями, она выходит к девушке в своем обычном человеческом облике, радостно ее обнимает и просит помочь взбивать перину, ибо зима близко, деревья нужно укрыть снегом.

Одна из самых дивных сцен в спектакле, конечно, взбивание огромной перины Марией и Метелицей. Без высоких художественных озарений такое придумать просто невозможно. Сердце выпрыгивает из груди, смотря как медленно поднимается огромное полотно, а потом опадает, покрывая долы, леса и поля белоснежным, пушистым снегом. Кажется, что и тебя самого накрывает с головой приход первого снега, щедро укутывает все твои тревоги и печали в толстый слой мирного, безмятежного настроения.

Оставшись без помощницы, Мачеха как может ублажает дочкины прихоти, но дочке, естественно, ничего не нравится, ей нравится издеваться над матерью, капризничать, кататься по полу и орать: «Хочу! Хочу! Хочу!». А сама-то, и не знает, чего хочет. Педагог бы хороший знал: дочка хочет, чтобы ей поставили границы личной свободы.  Без этих душевных границ психика ребенка приходит в раздрай, плавает; она не находит точки опоры для психоэмоционального возрастания. Бедная Изольда, «мама-вертолет», никогда этого не поймет. А вот нам, зрителям, это хороший урок, как не надо.

Три месяца девушка Мария прилежно служит у Госпожи Метелицы, а потом просится домой, соскучилась. Метелица награждает ее за службу, осыпав ее золотым дождем с ног до головы.

Мачеха и Хильда, увидев богатство, принесенное в дом Марией, не ругают ее за долгое отсутствие. Какое там ругать, когда наконец-то у обеих появилась великая цель в жизни - стать богатыми и важными людьми за фу-фу, практически за просто так, в колодец только надо прыгнуть дочке, да пару месяцев пожить вне дома.  Что делать, хоть и без большого желания Хильда прыгает в колодец и тоже попадает в Царство Метелицы.  Говорят, наглость – второе счастье. Никому не помогла Хильда, ни яблоньке, ни печке, ни у кого не спросила дороги, сама нашла дворец Метелицы. Ничему не удивляясь, ни радуясь, пусто и лениво, можно сказать, вегетативно, прожила наглая девица какое-то время во дворце Метелицы; как и в земном доме, только спала, ела и о богатстве мечтала. Ничего ее не восхитило, не воодушевило; никакая красота не коснулась ее отолстевшего сердца.  Это драма души. От себя не убежишь. Козел, он и в Африке козел. Вот попала Хильда в прекрасное, дивное место, полное просто нечеловеческой красоты, а что отразилось в ее пустых глазах? Ничего, там темно. «Ты повернул глаза зрачками в душу, а там повсюду пятна черноты, и их ничем не смыть!» (Шекспир). Вот я говорю - душевная драма. И  одно театральное искусство эту черную немощь не одолеет.

С пустыми руками, обмазанная сажей, возвращается Хильда в родной дом. Мать в шоке, но помочь не может. Разве одно зло может очистить, убелить другое зло? Нет, говорят нам создатели спектакля, зло, любую душевную черноту, видимым проявлением которой стала черная одежда Хильды и Изольды, можно очистить, исторгнуть только чистой, белоснежной добротой, только так, никак иначе: «если будут грехи ваши, как багряное, - как снег убелю; если будут красны, как пурпур, - как волну убелю. Тогда придите - и рассудим».  Вот и «рассудила» наших героев сказка братьев Гримм. Мы снова приложились к прекрасному: любовь и доброта ведет всегда к победе. Для них создано счастье, ибо они способны его находить прежде всего в самих себе, в своей доброте и милосердии. Поэтому совершенно неудивительно, что в финальном твисте, как ангел из музыкальной шкатулки, появляется прекрасный принц и предлагет Рукодельнце Марии руку и сердце.

А что  же маленький зритель? А он рад до ушей и хлопает, что есть мочи актерам!

И еще:  так уж получилось, никто нарочно этого не устраивал, но сегодня на сцене кировского театра кукол была показана еще одна сценографическая работа  талантливого художника-постановщика Юлии Гамзиной в спектакле «Уличный кот по имени Боб». 

Малый зал, Н. Шувалов «Подарок для мамы», Baby-Театр «Тутти», Санкт-Петербург

Одна из главных задач воспитания – это научить ребенка самостоятельности, однако нужно это сделать так, чтобы он не отверг, а воспринял родительский опыт и знания, смог в дальнейшем их творчески развивать и воплощать.  Но как его этому научить? Это не менее важный вопрос, чем шекспировский «быть или не быть?» А еще точнее – первый по значению! Художественным ответом на этот непростой вопрос в некотором смысле и является спектакль «Подарок для мамы». Он адресован для самых маленьких, но очень внимательных зрителей.

Теплые, красочные, «мамины», словно домотканые, декорации деревьев в лесу, травинок, одуванчика. Все цвета чистые, ласковые. Сразу хочется забраться на сцену и потрогать, согреться их теплотой, мягкостью, дунуть на одуванчик. Плавные, закругленные линии предметной среды, как у дымковской игрушки, действуют на ребенка успокаивающе; маленький зритель уютно устраивается в кресле с мамой и смотрит спектакль с большим вниманием.  Это очень правильные декорации для бэби-театра. Они гармонизируют психоэмоциональное состояние городского дошкольника, часто гиперактивного и задерганного массмедиа. 

На вершине каждого деревца -  веселое солнышко. И это тоже мудро, так чувствует, переживет мир здоровая душа ребенка. Всюду свет, тепло и сухо, никакого мрака и холодной сырости.

А в самом центре сцены (в финале спектакля) восходит радуга, величайший символ мира для всего человечества; архетипичный символ, соединяющий небо и землю навсегда, вселяющий надежду в каждого, что небо и земля нерасторжимы.

А что спектакль?

Начинается спектакль. На сцену выходит обаятельный долговязый Вася в очках и миниатюрная Муся с веселыми глазами. Оба в зеленом с ног до головы. Почему так? Это понятно ребенку, раз мы в лесу, значит, все должны быть одеты аутентично природной среде.

Вася и Муся рассказчики. Они в динамичной, интерактивной, отчасти музыкальной форме рассказывают малышам простую историю: Божья коровка по имени Зюзя (так, видимо, с любовью ее называет мама), решив, что сможет самостоятельно найти подарок для мамы, пошла в лес и потерялась. Ветер виноват, унес кроху далеко от дома.

Потерялась Зюзя! Сердце сжимается, слезки на колесках.  Но Вася и Муся сразу успокаивают детвору, ничего, дескать, страшного, ей помогут, Зюзя обязательно найдется. В театре чуть постарше такой ход мог стать провалом для спектакля; спойлером, который мог загубить весь зрительский интерес. Но в бэби-театре этот предупредительный прием просто необходим. Нельзя оставлять одного ребенка в темной и холодной комнате. Аналогия понятна.

Маленькие зрители вздыхают облегченно. Они видят, слышат, к ним обращаются с вопросами, актеры с детьми спокойно взаимодействует по ходу спектакля. Интерактив здесь становится не только театральным приемом, а способом научить ребенка лучше себя чувствовать, понимать границы своего тела, а, следовательно, в недалеком будущем и статус своего «я», тайну себя самого перед лицом космоса. Например, это происходит в простой игре «найди свою улитку».  Ребенку предлагают сложить лодочкой одну ладонь и накрыть ее другой. У каждого получается улитка, каждый ребенок радуется, что из его тела можно создать улитку, паучка, птичку, много разных живых существ, что, несомненно, делает для него земной мир родней, ближе и дороже. Ибо, как известно, «своя рубашка ближе к телу». 

Не затягивая действие, не утомляя детей долгими диалогами персонажей, рассказчики Вася и Муся, живо, но без сценографической суеты и мельтешения, вместе с детьми знакомят Зюзю с лесными жителями – Милейшей Гусеницей, Трудолюбивым Отрядом Муравьев, Рефлексирующим Пауком и Самодостаточной Улиткой. Каждая встреча приносит маленькому зрителю радость, ибо это радость узнавания чего-то нового в жизни. 

Дети ни на минутку не сомневаются, что спектакль закончится благополучно – Божья коровка обязательно вернется домой, найдя для мамы самый лучший подарок! Ведь зачем самой лучшей маме в мире дарить не самый лучший подарок? Так чувствует душа ребенка, этим миром она живет, возрастает в душевной крепости, становится сильной и отзывчивой, умеющей любить и сопереживать.

Сценографически спектакль выстроен немного наивно и лаконично, но сделано это не по причине малой фантазии такого мастера, как Николай Боровков, обладателя премии «Золотой софит», а для того, чтобы не отвлекать малышей от главной линии сказочного сюжета. Художественный лаконизм спектакля тонко направляет движение ума и сердца маленького человека и помогает ему воспринимать сценическое действие целиком и полностью. А это как раз и нужно!

Домашний, уютный, теплокровный спектакль «Подарок для мамы» –  приглашение к разговору о границах самостоятельности и путях самоидентификации в социуме, о способах искреннего диалога с ребенком, вот именно в такой наивно-упрощенной художественной форме. Разве говорить об этом нужно только с глубокомысленными складками лбу и поджатыми губами?  Ибо творческое кредо театра кукол было и навсегда останется: развлекая - учить, а поучая не забывать о радости жизни!

В фестивальной афише напротив спектакля «Подарок для мамы» значится: «0 +». У наших зрителей-родителей, несомненно, есть вопрос: насколько эта «нулевая» театральная практика будет востребована и полезна лично для моего ребенка?

Уверен, что ответ после просмотра спектакля Baby-театра «ТУТТИ» у родителей сложился сам собой: как прекрасно, что наконец-то театр кукол повернулся лицом к самому своему маленькому зрителю! Но тут нужно сказать несколько общих слов, чтобы понять, как эта театральная традиция появилась и достаточно быстро обосновалась в театре кукол.

О спектаклях «0 +»

В российском обществе до недавнего времени, видимо на основании советских педагогических шаблонов, ребенок считался готовым к восприятию искусства в возрасте от трех лет. Но новейшие педагогические и художественные практики, включая практики театральные, обращены к детям до трех лет.

Современный театр для самых маленьких - не пустое развлечение, но способ познания мира через искусство. Такой театр развивает в младенцах готовность к активному познанию мира и строится на бесконфликтной драматургии, готовя детей к положительному восприятию действительности. Во всем мире его называют бэби-театром.

Малыши в возрасте от 0 до 4 очень любят играть. И это отличный повод придумать для них свой, основывающийся на импровизациях, театр. Расцвет его произошел не в последние годы, как считают многие, а около 30 лет назад. В бэби-театре детская забава переплетается с чистой театральностью и дарит зрителям положительный эмоциональный опыт. Красочные, но лишенные сюжета представления, бросают вызов классическим моделям спектаклей для детей. Театр возвращается к своим первоосновам, в пространство сотворчества.

Шаловливость, баловство, свободная импровизация, веселость и неконтролируемый полет фантазии – то, что свойственно малышам и что необходимо всем, кто занимается бэби-театром. Дети способны воспринимать искусство и без долгого эстетического воспитания. Стоит посмотреть на театр немного под другим углом, и вы увидите, что многие детские спектакли состоятельны художественно. 

Сегодня для карапузов появляется ежегодно более 500 представлений по всем миру, включающих оперу, балет, комедии и даже постановки по Шекспиру. Однако количество спектаклей не означает признание жанра. Некоторые критики продолжают спрашивать: «Разве не с трех лет ребенок начинает воспринимать театр? Разве отличается ваш бэби-театр от обыкновенных занятий по развитию?». Отвечаем: «Нет, не с трех, значительно раньше. И да, от занятий по развитию хороший бэби-театр отличается сильно».

Критическая риторика основана на стереотипах: театр – место для взрослых, «невинность» ребенка может быть испорчена искусством, дети не способны воспринимать условность. На самом деле малыши не уступают взрослым в многих способностях, а даже опережают их. Дети от рождения расположены к чуткому эстетическому восприятию и эмоционально открыты. Они талантливее в полете фантазии, в импровизациях и в творческом взаимодействии.

Консерваторы спорят, что детский театр должен готовить маленького зрителя к пониманию «настоящего искусства». Но искусство для малышей ценно само по себе, точно так же как ценен и каждый ребенок – не только будущий взрослый, но и личность. Ханс-Тис Леманн утверждает: «Ложно весь театр по умолчанию рассматривать как театр драмы. Театр для самых маленьких полностью состоятелен, ведь он может становиться источником бесконечного зрительского удовольствия и полем для потрясающих художественных открытий».

Большой зал, Д. Боуэн «Уличный кот по имени Боб», театр кукол имени А.Н. Афанасьева, г. Киров

Реальная история, воплощенная в спектакле «Уличный кот по имени Боб», произошла не когда-то, а в наше время, время нарастающей человеческой разобщенности, когда искренность и открытость в людских отношениях превращаются в анахронизм. Как результат многие люди сознательно выбирают одиночество – замыкая собой депрессивный круг нелюбви.

Спектакль «Уличный кот по имени Боб» создан по мировому автобиографичному бестселлеру Джеймса Боуэна.  В спектакле, как и в книге, два главных героя – Джеймс Боуэн (актер Владимир Хлопов), уличный лондонский музыкант, и рыжий Боб (актер Сергей Трусов), уличный лондонский кот. Поэтому художественный лаконизм сценографии спектакля аутентичен рассказанной истории. В пространстве, где два живых существа увидели, встретили другу друга не должно быть много вещей, но все же одна вещь, один сценический артефакт выделяется своей особой символикой. Это часы на лондонской башне со знаменитым колоколом Биг Бен. Часы, как намек, что время неумолимо, что не нужно терять драгоценные минуты жизни на всякую чепуху. А декорации, сделанные из настоящего листового железа отлично подчеркивают жесткость, негибкость, статичность нашего мира, из границ которого вырваться невероятно сложно, собственно, как и из стальных тисков времени.

И на фоне этого железного мира и неумолимого времени – два теплых, слабых, одиноких существа, наивно-прекрасных в своем желании видеть в мире только хорошее, разыгрывают свою последнюю карту – разорвать оковы времени, прорваться через железные преграды века и найти свой путь к тихой свободе, к земной радости.  И у них получается!  Конечно, путь этот был непростой, множество препятствий пришлось преодолеть музыканту Джеймсу и коту Бобу, прежде чем они стали неразлучными друзьями.

И если в самом начале истории домашний кот Боб, впервые попав на шумные и опасные улицы Лондона, делает вывод, что все люди делятся на тех, кто кормит и на тех, кто тобой «кормится», то в конце он к этому печальному выводу прибавляет еще одну константу, которая разрывает жесткую двоицу. «В мире еще есть Джеймс!» - радостно восклицает Боб.

Другими словами, мир – это не только место, где мы должны выживать и бороться за место под солнцем, в нем есть и такие удивительные вещи, как дружба, бескорыстие, глубокое взаимопонимание и верность! Не нужно отчаиваться и считать себя лишним, оглянись, может быть, за ближайшим углом тебя уже ждет тот, кому тоже нужна помощь, кто готов стать твоим другом.

Ты – не одинок. Тебя любит кот. Держись за хвост!

Каждая сцена в спектакле органично продолжает следующую, ведь по замыслу режиссера-постановщика Ролана Боннина логика дружбы сильнее времени и земных обстоятельств. Да, жизнь преподносит неприятные сюрпризы, неожиданные повороты судьбы действуют центробежно, но все можно преодолеть, если в тебе есть решимость вопреки всему защитить того, кто откликнулся сердцем, кто может стать для тебя частью твоей новой жизни.

Главный герой Джеймс так и поступает, он чувствует, что встреча с котом Бобом, возможно, это его последний шанс вырваться из тяжелого круга одиночества и отчаяния. Он, буквально, хватается за хвост, чтобы не погибнуть. В каждой сцене, в каждом движении куклы Джеймса актер Владимир Хлопов передает это щемящее чувство возможной и непоправимой утраты.

Зрители видят, как постепенно из отстранённого и   невеселого персонажа, Джеймс превращается в заботливого и деятельного героя; человека, которому есть, что терять, готового защитить своего четвероного друга и от клыков страшной собаки, и от уличного хулигана, от любой жестокости и несправедливости. Например, чтобы кормить и содержать Боба музыкант Джеймс устраивается продавать на улице газеты. И это его ничуть не смущает, ради маленького друга Боба он согласен на все, согласен попрощаться даже с гитарой. Спектакль «Уличный кот по имени Боб» получился не просто сюжетным пересказом книги, в нем абсолютно нет ничего однобокого и иллюстративного. Театральный формат придает героям   книжного произведения не только объем и выразительность, режиссер-постановщик Ролан Боннин и художник-постановщик Юлия Гамзина нашли особые красноречивые средства, чтобы история Джеймса и кота Боба обрела самостоятельное и свободное дыхание.

Трудно выделить художественное достоинство какой-нибудь одной сцены в спектакле, любая из них впечатляет чем-то своим, весомым и запоминающимся, но отдельно хочется вспомнить все сцены в бедной комнатке Джеймса.   Создатели спектакля поместили комнатку уличного музыканта в футляр от гитары! Получился кукольный домик под лондонским фонарем. Таким символичным образом они крайне удачно подчеркнули внутреннюю бездомность, временность пребывания Джеймса в пространстве большого города.

Непросто было осуществить идею комнатки-футляра, для этого пришлось к двум большим куклам Джеймса и Боба, добавить еще и маленькие копии главных персонажей.   Всего для спектакля создали 16 планшетных и паркетных кукол: Судьи, Полисмена, Скандальной дамы, Бабушки, Медика, Газетчика и других. Есть в новой постановке и актеры живого плана в масках, олицетворяющие равнодушную конформистскую толпу.  В итоге, через взаимосвязи актеров живого плана с куклами, конфликт между протагонистом Джеймсом и современным миром удалось показать нервно и наглядно. 

Человек живет в футляре, но только футляр этот не чеховский, в который человек затолкал себя сам, а бытийный, судьбоносный, где человек, словно заживо себя хоронит, скрывает от всех, как драгоценный музыкальный инструмент. И никто из этого футляра не услышит его песен, музыки, стука его живого сердца. И кот Боб, впервые оказавшись в этом футляре-склепе, распахивает его, открывает настежь для Джеймса, так, что мир начинает слышать человека, а человек - безбоязненно прислушиваться к миру и петь легко и радостно.  Удивительно, что это смог сделать обычный котик, а не двуногий мудрец.  Но история Джеймса настоящая. Он ее не придумал и не приукрасил. Бывает так в жизни: иногда человеку настолько плохо, что любое человеческое внимание только ранит; любая помощь извне воспринимается, как лукавая попытка навязать тебе свои ценности, свои императивы. Я тебе помогу, а ты пригнись, встань на колени, поцелуй мою тень на асфальте. Так вот чувствуется, даже если другой человек от тебя этого не ждет и не просит.  И здесь весьма часто к нам на помощь приходят братья наши меньшие. Уж они-то точно не будут от тебя требовать социальной лояльности, сговорчивости, моральных обетов и нравственных кредитных обещаний. Домашние звери приходят в нашу жизнь и доверчиво разделяют ее с нами от начала до конца, ничего не выколачивая взамен, оставляя нам такими, какими есть. Добрые, остроумные диалоги Джеймса и кота Боба в комнатке-футляре как раз все были об этом.

Актерский состав спектакля подобран органично и точно, поэтому каждая роль оставляет у зрителей чувство достоверности и запоминается надолго. Актеры играют на сцене не сами по себе, выявляя самые значимые, выгодные стороны своего персонажа, а работают все вместе, образуя единое творческое пространство, благодаря которому происходящее на сцене воспринимается гармонично и живо.

Видеовставки и картины города, жителей, лондонских улиц, спроецированные на задний фоновый занавес, внесли в спектакль атмосферу английских реалий, заставили зрителей перенестись в эпицентр художественного действия и ощутить себя его непосредственными участниками. Это чудо создала художник-аниматор Мария Фоменко. 

Оригинальный теневой театр, использованный в некоторых сценах, помогает испытать тонкое очарование Англии, туманность ее просторов и харизматичность уличных персонажей.

Над музыкальным оформлением спектакля трудился Андрей Кормщиков.  Он использовал лучшие треки популярных исполнителей, таких как Боб Марли, британских групп «Oasis», «Radiohead», чтобы выстроить на сцене аутентичную атмосферу Лондона наших дней. Музыкальные композиции погружают зрителей в захватывающий поток сильных, искренних, а порой и весьма драматичных чувств, и мыслей.  И стоит добавить, хоть большая кукла Джеймса тяжелая и управлять ей непросто, актер Владимир Хлопов все песни, что исполняет главный герой в спектакле, поет вживую, без фонограммы.   

История Джеймса и кота Боба в хорошем смысле поучительная, но в светлом спектакле совсем нет нравоучений и суровых призывов к совершенству, нет попыток надавить на жалость или обвинить кого-то в проблемах, с которыми столкнулся уличный музыкант Джеймс. Это проникновенная история взросления главного героя, его пути к принятию себя и своего прошлого. Благодаря заботе о коте, отчаявшийся в сострадании человек, снова учится уважать себя, брать на себя ответственность, выстраивать отношения с людьми и миром. И, конечно же, спектакль о бескорыстной любви и преданности, которым стоит поучиться у братьев наших меньших.

На июньской премьере спектакля сидел школьник, лет восьми. Перед спектаклем, пока не погас свет, он увлеченно что-то рисовал в своем блокнотике. Я пригляделся. Весь блокнотик был изрисован танками, пушками, ракетами, истребителями, со страниц неслись жуткие взрывы бомб и снарядов. Но вот, когда спектакль закончился и свет в зале вновь зажегся, мальчик достал блокнот и быстро нарисовал кота Боба – усатого ангела хранителя для многих детей и взрослых!  Маленькая победа случилась!

ДЕНЬ ПЯТЫЙ

Конечно, фестиваль театров кукол это не только спектакли. Есть еще большая культурная программа, лекции, мастер-классы, «разбор полетов» и многое другое. Но все же показ спектаклей это основное, что должно и происходит в фестивальные дни, именно поэтому в «Дневнике фестиваля» мы отдаем приоритет рассказу о прошедших постановках.

В последний, пятый фестивальный день зрителей порадовали своими постановками театры кукол г. Йошкар-Олы, спектакль «Цветик- Семицветик» и г. Кемерово, спектакль «Стойкий оловянный солдатик».

Малый зал, Ганс Христиан Андерсен «Стойкий оловянный солдатик», Кемеровский театр кукол

Режиссёр Пётр Зубарев и художник Елена Наполова воплотили на сцене самобытную и красивую историю кукольной любви. Постановка создана в неповторимом авторском стиле. Спектакль получился не для самых маленьких. Он находит отклик в душе младших школьников и не оставляет равнодушными взрослых.

Замечательные актеры – Никита Остатнигрош, Юлия Подгорная, Александр Ахмедов, Ирина Салтымакова, Евгения Устюгова и Станислав Садыков разыгрывают перед зрителями настоящую сказку, где есть победители, но нет побежденных.

Почему эта сказка с печальным концом уже почти два столетия так нравится детям и взрослым? Взрослым понятно почему, любовь, романтика самопожертвование, жизни не жалко за миг счастья с любимой/любимым, а вот детям? Что такое они видят и слышат в  этой сказке?

Наверное, девочки и мальчики чувствуют разное. Для девочек в сказке главное ожидание Танцовщицы, ее молчаливое стояние на пороге  большой любви. Многие предлагали ей руку и сердце, но она ждала ту единственную встречу с человеком, что перевернет всю  жизнь. И дождалась! Да, он оказался по счету 25 в коробке простым солдатом, мама его – оловянная ложка, а не золотая корона, а еще он...  без одной ноги, так получилось, любимый не виноват, он просто особенный. Ведь главное в сказочной любви не королевское происхождение и отменное здоровье, а большое любящее сердце, которое не одолеют никакие невзгоды, не выморозит холод, не расплавит огонь. Именно такое сердце и было у Оловянного Солдатика. Девушки об этом догадываются моментально.

А мальчики в сказке находят свое, мальчишеское. Бесстрашие перед сильным врагом, верность мужскому слову, солдатскому долгу защищать слабых, стойкость, несгибаемость духа в любых тяжелых жизненных обстоятельствах.

Вернемся на сцену, к самому началу истории. Громко тикают ходики. Нужно торопиться жить или просто плыть по течению времени: тик-так, тик-так?  В любом случае Время неумолимо приближает нас к развязке.

В глубине сцены выстроились симпатичные домики в датском стиле. Мастеровые люди в длинных серых фартуках их подкрашивают, что-то ремонтируют. На зрителей ноль внимания. Они заняты важным делом. Идут последние приготовления к Сказке. Вдруг они разворачиваются лицами к залу и хором сообщают, что хотят рассказать историю, в которой побеждает любовь. Но как-то не очень весело у них получается, не очень-то верится в победу, конец-то все мы знаем.

Неожиданно домики на сцене совершают оборот на 180 градусов, и мы оказываемся внутри уютной старинной квартиры. Гребень на доме превращается в чудесный картонный дворец. Тут же люди в фартуках вытаскивают большую деревянную коробку, открывают ее и - бабах! - зрители видят в ней стройные ряды бравых солдатиков! Их 25 штук! Ровно двадцать пять! Стучит барабан, солдатики строем маршируют на День рождения к мальчику. Ура! Ура! Ура!

Мальчик влюбленными глазами смотрит на подарок, вытаскивает солдатиков из коробки. Они все новенькие, пуговицы блестят, мундиры сияют. Но вдруг мальчик морщит нос, что такое? У последнего солдата одна нога. У солдата одна нога!

Мастеровые люди говорят, что солдатик не виноват, что на вторую ногу просто не хватило олова, что он и на одной ноге стоит очень даже устойчиво.  

- Не нужен мне такой! - топает мальчик. - Как он будет воевать, ходить в атаку? Пусть он выйдет из строя!

И Оловянного Солдатика отправляют в дальний угол на комод к поломанным игрушкам. Как часто бывает в жизни, что нас отправляют в «дальний угол на комод» и мы ропщем, унываем, сердимся, а потом выходит, что это был наш путь, наша судьба. Так произошло и с Оловянным Солдатиком.

Ночью все старые игрушки ожили и к Солдатику подошел маленький белый Клоун.

- Что у тебя сломано? - спросил Клоун.

- Ничего, - ответил Солдатик.

Удивительно, но похоже Солдатик почти не обращает внимания на свою одноногость. Одна и одна, что тут такого, живу ведь, не тужу? Сегодня общество повернулось к особенным людям. Они тоже не перестают удивлять нас, обычных людей, своей жизнерадостностью, миролюбием, стойкостью души. Нам есть чему у них поучиться. Сказочник Андерсен знал об этом уже двести лет назад.

Беседуют на краю комода Клоун и Солдатик. Клоун размахивает руками, подпрыгивает, ахает, буря эмоций. Солдатик стоит почти неподвижно. Пишешь, получается все просто, но видели бы вы эту сценку в куклах, нос бы языком от восторга достали! Небольшой планшетной куколкой Клоуна управляли сразу два актера. Действия их были так отточены, верны, согласованы, что Клоун был просто как живой человечек, иллюзия была полной. Кукловоды-мастера!

Оказавшись среди позабытых игрушек Солдатик не сразу обратил внимание на картонный дворец, не в миг разглядел хозяйку дворца Танцовщицу. Это очень трогательный момент в спектакле, момент узнавая своей судьбы, своей возлюбленной. Кемеровским кукольникам удалось его передать с потрясающей достоверностью. Поначалу Солдатик подумал, что Танцовщица тоже одноногая, что она как он - особенная. Но нет, она просто кружилась в танце на одной прелестной ножке, а второй помогала себе кружиться. Валерий Шадский (Председатель фестивального жюри) заметил, что владелица кукольного дворца «танцевала очень красиво и чувственно. И через танец хорошо тянула свою линию в спектакле».

Солдатик смотрел на Танцовщицу во все глаза, но ничего ей не сказал. Он влюбился в нее молча и навсегда.

Побитые временем и молью игрушки вокруг веселились, плясали и дурачились, только Солдатик и Танцовщица стояли неподвижно, словно предчувствуя, что счастье их будет коротким и ярким, как всполох пламени.

Часы пробили полночь и из черной табакерки выполз здоровенный Тролль со злющими, рыбьими глазами. Он похож на тощую жабу. Тролль ест плюшки со стола, на воздушном шаре к нему приплывает чашка кофе с молоком. Жирует безнаказанный злодей! Все игрушки попрятались, кто куда, только Солдатик и Танцовщица остались стоять на месте. В их сердцах не было страха. Это очень не понравилось Троллю. Танцовщица должна танцевать только дня него одного. Тролля всего заколотило от злости. Его колотило и трясло, а нам, зрителям, было смешно наблюдать за его телотрясением, прямо до смеха смешно было. Такова природа театра кукол. Зло в куклах очень часто выглядит смешным, именно тогда, когда оно хочет казаться грозным и ужасным. Кукла обнажает природу злости, мирового зла. Его на самом деле не существует. Оно временное и каким бы сильным не тщилось казаться, конец его всегда один – ледяное озеро Коцит.

Но это в реальности, на сцене же Тролль вызывает восторг, благодаря игре и работе актера. Движения Тролля, рук, головы, голосовой тембр так смешны, несуразны в соотношении с его жестокими угрозами, что зрители смотрят на эту глазастую чушку из табакерки с невольной улыбкой. Тролль был великолепен!  Чудовищное олицетворение всех возможных пороков, но зрители его не испугались. Понятно почему!

«Эй ты, оловянный солдат! - крикнул Тролль. - Не больно заглядывайся на плясунью! Она не будет для тебя танцевать».

Но Солдатик даже не посмотрел в его сторону. Тролль взбесился и устроил так, что Мальчик выбросил утром влюбленного Солдатика в окно.

Начинается первый и последний солдатский поход. Солдатика нашли детишки, но разочарованные его инвалидностью, не стали с ним забавляться, смастерили для него лодочку из старой газетки и отправили плыть по канавке. Но тут страшный ливень наполнил канавку водоворотами, потащил утлый кораблик на глубокую воду речного канала. Пропал!

Одна из лучших сцен в спектакле – плаванье Солдатика среди бурных волн канала. Сделана она просто, но ее не забудешь. Двое мастеровых, держа широкое полотно за концы, бешено его трясут под звуки грома и шумного дождя. В центре синего полотна лодочка с Солдатиком трясется из стороны в сторону, ее бросает, то вверх, то вниз. Жутко! Не надо никаких модных видеопроекций, никаких высокотехнологических ухищрений, куска материи вполне достаточно, чтобы два актера нагнали страху на зрителей.

«Этот эпизод меня покорил!» - сказал Председатель жюри Валерий Шадский на обсуждении после спектакля.

Лодочка тонет. Солдатик падает на дно реки, рыбы щелкают его своими хвостами по носу. Но не успевает Солдатик как следует испугаться, как одна большая рыба его проглатывает целиком. Смотришь с большим интересом как все эти драматичные события актеры-мастеровые показывают в куклах-марионетках. Кстати, не из этого ли события сказки Андерсена (солдатик на дне реки) появляется замысел книги Кейт ДиКамилло «Удивительное путешествие кролика Эдварда»?

Следующая сцена рыбной ловли, где рыбак на удочку цепляет карася с солдатиком, напоминает клоунаду. Она веселая, остроумно придуманная. Актеры играют живым планом, но их пластика, сценография эпизода, речь с «европейским акцентом», способы взаимодействия с предметной средой спектакля, ни на миг не дают забыть, что ты в театре кукол.

Говорите чудес не бывает? А Оловянный Солдатик после всех приключений вновь неподвижно стоит на комоде. Высоко над собой Солдатик снова видит дворец, а на пороге свою любовь. Красавица замечает его, выпархивает на авансцену и невесомо паря в воздухе, начинает танцевать в луче света. Ее танец предназначен только Солдатику.  Это волшебный танец любви. Во всех алясгонах и арабесках Танцовщицы, в каждом медленном движении ее рук чувствуется любовь, притяжение сердец. Зрители видят настоящее па-де-де сильного и высокого чувства! Это и называется искусством играющих кукол, когда игровой объект в талантливых руках актёра-кукольника, словно оживает и вырастает в своем значении до всечеловеческого символа.

Конечно, как черт из табакерки, тут же выскакивает Тролль из  ящика.

«Здесь всегда будет, по-моему!» - кричит злодей.   

Кто бы сомневался, «весь мир лежит во зле и стенает в нем каждая тварь», но есть в этом мире чудные области откуда исторгается черная злоба, ненависть и зависть. Это сердца любящих, даже если у одного из них сердце – бумажное, а у другого – оловянное.

Горит Солдатик в огне. Горит, но не сгорает его мужественное сердце. Летит красавица Танцовщица в огненные солдатские объятия. Нет в ее больших, кукольных глазах страха и боли, слез и сожаления. Адажио любви совершится.  От солдатика останется оплавленное оловянное сердце, а от балерины обгоревшая брошка, символ ее красоты.

В чем же тут победа любви, когда у тебя на глазах твоя возлюбленная превращается в горсточку золы? А здесь не одна, а целых две победы!

Первая победа в том, что Солдатик и Танцовщица преодолели свою «кукольную» ущербность, природные ограничения, свои страхи, сомнения. Танцовщица не испугалась мести Тролля, когда начала танцевать для любимого.  Оловянный Солдатик бесстрашно принял ее в свое сердце, не рефлексировал, что как это такая красавица да полюбит одноногого солдата? Быть такого не может! Он не думал об этом, ибо «любовь изгоняет страх».  Любовь «не ищет своего, прощает, долготерпит и не боится ничего ни времени, ни смерти». Таким и предстает Солдатик в постановке кемеровских кукольников. Он полюбил Танцовщицу без оглядки, потому что настоящая любовь не знает ни социальных условностей, ни физических преград. Любовь, рождаясь в сердце, не спрашивает о твоем банковском счете и статусе в человеческой иерархии. Ее приход самовладычен. Поэтому совсем неслучайно, что не Танцовщица, а Оловянный Солдатик становится для зрителей  символом стойкой и жертвенной Любви. Он подарил Танцовщице свое верное и великодушное сердце, а она с благодарностью его приняла, возгорелась ответным чувством.

Победа любви начинается с первого взгляда. И неважно, когда она закончится, через сто лет или через одно мгновение. Двое в мире, где властвуют тролли, где бесполезно искать правды и справедливости, где «царит смерть и время» (М. Цветаева), эти двое разглядели друг друга, преодолели границы души и тела, смешали естество, каждый из них отдал себя другому до конца и в этом каждый обрел себя в иной прекрасной сути.

Со второй победой сложней. Не было бы и первой, если бы писатель не сочинил свою сказку, Кемеровский театр кукол не поставил ее в своем театре, а мы, зрители, не увидели бы спектакль на сцене. Так искусство вершит Победу. Из тактического поражения во времени оно способно любую трагедию и драму преобразить в стратегическую Победу в истории, в вечности. Здесь и есть самый нерв искусства, его тайна и сила, его божественный огнь.

Да, Солдатик и Танцовщица лишь на мгновение соединились в пламени, на миг счастья, длинной в целую вечность. Но он у них был, а будет ли такой миг счастья в нашей жизни? Ведь можно просуществовать, продавливая диван перед теликом, не отозвавшись ни одному сердцу, не открывшись ни одному земному существу. Банально, но бывает так, что одно яркое мгновение, одно какое-нибудь «огненное» событие в жизни, может значить больше, чем вся скучная ежедневность.

Спектакль закончился, но эту чудесную историю, рассказанную Кемеровским театром кукол, мы будем вспоминать еще долго.

Председатель жюри Валерий Шадский сказал после просмотра: «Замечательно ставят в театре кукол Кемерово про любовь».

Большой зал, В. Катаев «Цветик-Семицветик», Республиканский театр кукол,

г. Йошкар-Ола

Ура! Среди множества новаторских, оригинальных фестивальных спектаклей оказался один классический, с огромной через всю сцену ширмой, ширмищей, по которой так часто скучают взрослые зрители.  Этот спектакль привез на фестиваль Йошкар-олинский театр кукол и сразу всех подкупил верностью кукольным традициям и следованию живой театральной памяти.  Лично я сразу погрузился в детство, не надо никакого иммерсионного театра, просто поставьте большую ширму и дело в шляпе.Душа все вспомнит сама и  легко войдет  в сказку. Спасибо тебе, театральная Йошкар-Ола! 

Очень нужны сегодня ребенку, растерянному в постиндустриальную эпоху Третьей волны технологий, такие спектакли, как «Цветик-Семицветик», где границы Добра и Зла не размыты, где ясно обозначены предела света и тьмы, правды и лжи. Спектакли простые, ясные, с точными нравственными ориентирами, которых так не хватает в современной жизни мегаполиса.

Куклы в спектакле большие, красочные, на тростях. Их хорошо видно даже с последнего ряда. Это тоже немалый плюс для постановки, когда зрителям не нужно вострить глаза и напрягаться, чтобы изо всех сил разглядеть, что там делается на сцене. «Все для зрителя!» - такой девиз столичных кукольников Республики Марий Эл.

В спектакле много песен, он вообще близок к мюзиклу, как считает Валерий Шадский (Председатель жюри фестиваля). Песни звучат в спектакле органично. У актеров замечательно поставлен вокал, слушаешь с удовольствием.

Как хорошо все помнят, старушка Волшебница подарила девочке Жене «цветик- семицветик» просто так, пожалев ее. Никаких искусов Женя не проходила, в Хогвартсе не обучалась, заданий на смекалку не совершала, утопающих не спасала, а волшебный цветок получила. За что? Просто повезло! Она оказалась в нужное время в нужном месте. Так тоже бывает в жизни. Это ведь здорово, что никакая подлая космическая эмпирия, ни одна, даже самая точная математическая закономерность, не может отменить Счастливый Случай!

Все сцены, в которых девочка Женя с бездумной расточительностью тратит волшебные лепестки, выстроены мастерски, они отзываются теплыми чувствами. Хочется перечислить некоторые особенно впечатлившие моменты, а таких немало как, например: видеопроекция, собирающихся со всего света игрушек, забавное пыхтенье кастрюль на плите в доме у Жени, ее мама с кружками огурцов на глазах для снятия усталости, окно в ширме, в котором дважды показываются играющие мальчики и девочки, появление на Северном полюсе здоровенной головы белого медведя, голова метра два в диаметре, не меньше. Большая, шерстяная да еще и говорящая. Загляденье! И совсем не страшно.

«Медведь произвел огромное впечатление!» (Председатель жюри Валерий Шадский).

У спектакля счастливый конец.  Девочка Женя знакомится с особенным Мальчиком Витей. Он ходит на костылях. Симпатичный такой мальчик и вдруг костыли.  Это несправедливо, ненормально, даже для бездушного космоса, не то, что для земной девочки Жени. Она не раздумывая отрывает последний лепесток от своего «цветики-семицветика» и загадывает желание. Весьма драматичный эпизод в спектакле, думаешь, а вдруг волшебство на болезни не действует, вдруг оно только для развлечений, для пустяков, а не для серьезных добрых дел?

Зрители облегченно вздыхают. Волшебство работает! Витя отбрасывает костыли в сторону. Все на сцене радуются и поют:

Нужно только пожелать, чтобы счастливым стать,

Чтобы рядом был твой друг, и прошел его недуг!

Девочка Женя тоже счастливо улыбается, как и зрители, искренне аплодирующие создателям спектакля «Цветик-семицветик».